Marie Follea 

Eléa Fouchard 

Anselme Sennelier 

Louis Simonnet

Paul Tiberghien

vernissage le 8 novembre à 18h

Exposition du 6 novembre au 21 décembre 2024

49 rue Joubert 89000 Auxerre
du mercredi au samedi de 14 h à 18 h
entrée libre

Exposition du du 5 novembre au 18 décembre 2024

54 rue Joubert 89000 Auxerre
du mardi au samedi de 14 h à 18 h
entrée libre

Pour ce 3ème volet du dispositif Pôle position initié par le réseau Seize mille en faveur de la jeune création de Bourgogne Franche-Comté, le choix s’est porté sur 5 artistes issu.es des écoles d’art de Dijon et Besançon: Marie Follea, Éléa Fouchard, Anselme Sennelier, Louis Simonnet et Paul Tiberghien.

Leurs pratiques sont diverses tant au niveau des techniques utilisées (dessin, gravure, sculpture, céramique, peinture, photographie) que des thèmes abordés. Dès lors comment faire dialoguer leurs oeuvres dans les deux lieux où se déploie l’exposition, à Hors[ ]cadre et au Théâtre?

Dans les espaces du Théâtre sont mis en regard les oeuvres de Louis Simonnet et de Paul Tiberghien. Le premier évoque l’univers des vacances, tandis que le second s’intéresse au monde du travail. Rêve d’été, Parasols, Horizon de Louis Simonnet côtoient les Affiches de prévention du travail de Paul Tiberghien et leurs slogans humoristiques comme autant d’appels à la paresse.

A Hors[ ]Cadre sont réunis les dessins et céramiques de Marie Follea, les gravures et monotypes d’Éléa Fouchard et les sculptures d’Anselme Sennelier. L’utilisation de matières naturelles, telles que le bois, l’argile, et les notions de transformation et de métamorphose sont les liens pouvant être tissés entre les oeuvres.

Ainsi deux espaces et deux atmosphères se répondent dans cette exposition permettant de découvrir la richesse et la vitalité de la jeune création contemporaine.

Nathalie Amiot
Directrice artistique de Hors[ ]Cadre,
commissaire de l’exposition

Téléchargez les documents de l’exposition :

livret Pôle position #3

Pôle position_3_flyer_HD

Martin Bruneau

Suite Blanche

HORS [ ] CADRE

Exposition du 10 février au 6 avril 2024
 

49 rue Joubert – 89000 – Auxerre

Du mercredi au samedi : 14h – 18h

Entrée libre

Vernissage le vendredi 9 février à 18h

téléchargez le carton d’invitation ici


 

On est gourmand comme on est artiste, comme on est instruit, comme on est poète.
Le goût, mon cher, c’est un organe délicat, perfectible et respectable comme l’œil et l’oreille.
(Guy de Maupassant, Le Rosier de Madame Husson, 1887)
 
 

Autour de la table dressée de blanc se pressent mains et bustes. On échange, on s’affaire, on partage. Des plats débordent ou se vident au milieu des bouquets et des verres. Bien sûr ce n’est pas la Cène, ni les Noces de Cana, bien que les « repas blancs » de Martin Bruneau partagent avec eux l’expression d’une certaine convivialité, à la fois extraordinaire et banale. L’on songe davantage au Déjeuner sur l’herbe de Claude Monet (1865-1866) avec sa nappe blanche chavirée sur l’herbe ; au Repas de Paul Gauguin (1891) dans sa rigide composition ; à Cézanne et Morandi, auxquels Martin Bruneau emprunte la monumentalité des formes et la subtile délicatesse des tons ; aux aplats précipités de motifs chers à Matisse ; ou plus près de nous à la sobriété des Cocktails d’Alex Katz.
 
Mais ici, étonnamment, le cadrage ne retient rien de personne : à peine un avant-bras, un bout de chemisier, la naissance d’une nuque. Il exclut et maintient à l’écart. Ou plutôt il se resserre, non pas sur les convives mais sur ce qui les réunit. C’est qu’au-delà du sujet, la peinture de Martin Bruneau convoque un œil analytique et gourmand de peinture. Un regard mobile qui, du fond vers la forme, glisse et s’échappe de l’anecdote, comme guidé par une touche à vif et un sens aigu de la composition.

 
A travers toute la série, la dominance du blanc et le dépouillement minimisent en effet le contexte, tandis qu’un basculement de la perspective vient perturber l’agencement des plans. Dans certains grands formats la table semble se renverser à la verticale et dégager un large fond, contre lequel les objets s’apparentent à des signes abstraits, assemblés en une composition libre : un couteau comme un trait, le cerne d’un bord d’assiette, la grille d’un motif sur une cruche, un morceau de nourriture comme une éclaboussure, ailleurs un verre, comme un empâtement lumineux. Tout se vaut, tout est traité de la même manière dans une sorte de démocratisation de la surface. Loin d’être occulté, le médium se révèle sans fard, avec son épaisseur ou sa planéité. Dans sa tension, aussi, avec la présence d’objets identifiables, dont le modelé cherche tant bien que mal à rejouer l’illusion de la réalité. Entre réflexe de reconnaissance et expérience optique pure, Martin Bruneau assume une posture moderniste et réflexive, tout à la fois narrative et formelle, usant des procédés de la peinture pour critiquer la peinture elle-même, de l’intérieur ⁽¹⁾. Disons, une peinture cousue de fil blanc, figurative certes, mais dont le caractère mensonger saute aux yeux et qui ne nous laisse aucun doute quant au fait que les couleurs proviennent bien d’un tube.
 
Alors, aux visiteurs trop hâtifs qui se satisferaient de l’image entendue d’un repas entre amis : attardez-vous ! Il faut que du temps passe pour que la réalité échoue. Que le ballet des mains se lie à celui des plats. Que tout s’amalgame et se réorganise : arabesques aux marges et diagonales au centre, méticuleux accords, bouquets de couleurs vives. Regardez comme on écoute. Et goûtez du bout des yeux le festin de la peinture.
 
Thibault Bissirier, juillet 2021

(1) Il faut ici entendre le terme de « critique » dans son acception la plus neutre, au sens d’examen, de commentaire, d’analyse. Sur ce point, voir notamment la réflexion de Clement Greenberg sur la place de l’auto-critique dans la peinture modernisme : « Modernist painting », 1960, Voice of America.